美藉乌克兰钢琴家,就学于基辅音乐学院,毕业后在哈尔科夫举行了15次独奏会,正式开始演奏生涯1924-1925年以11台不同曲目的演奏共23场,声名大噪.1928年到伦敦,接着到纽约,因在比彻姆指挥纽约爱乐乐团演奏柴科夫斯基第一钢琴协奏曲中的出色表现而真正在世界范围内成名.1933年,他开始与托斯卡尼尼合作贝多芬的钢琴协奏曲,在更大范围获得了世界声誉,不久与托斯卡尼尼的女儿结婚,1940年定居美国,1944年入美国藉.Vladimir Horowitz曾多次从舞台退隐,最长的一次是从1953年至1965年,他以神经系统受损害为由,整整12年不再露面,潜心于研究克莱门蒂的作品.1965年5月9日,他在卡内基音乐厅重返舞台,举行一系列音乐会,4年后再度退隐,直至1974年才再度出山.霍洛维茨是一个有争议的钢琴家,因为他的演奏极端追求表情与效果.在技巧方面,他对速度和力度的控制出类拔萃,尤其是在八度表达上,有惊人的能力,既能发出铿锵有力的金属声音,又有梦幻般的柔美音色;他擅长强音,擅长制造快速的音效,追求美妙的连音效果,他强调的是极端的对比和极端的表情,他的演奏能创造最出色的效果.霍洛维茨最擅长挖掘类似舒曼、肖邦、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫、克莱门蒂等作曲家的神秘因素,他演奏的舒曼的《童年情景》、《克蒂斯勒偶记》、《梦幻曲》以及斯克里亚宾与克莱门蒂的奏鸣曲、拉赫玛尼诺夫的前奏曲与练习曲都有极强的造型感.晚年他醉心于莫扎特,但他的莫扎特是极端效果化的莫扎特,他认为他对作品效果的追求,是他的音乐创造.

       1999年，20世纪最伟大的钢琴演奏家霍洛维茨的一场演出。一直等到90多岁高龄，霍洛维茨才在戈尔巴乔夫的邀请下，得以返回生养他的俄罗斯，而且只演奏了一场。不知这是他个人的决定，还是当局的决定。
　   我无法表述倾听那场音乐会的感受，只觉得在那唯一一场游子还乡的悲情演出中，不论演奏者或听众，感受的不仅是钢琴演奏艺术，还共同演出了那场戏剧人生的最后一幕。多少场景、细节、伏笔、人物、矛盾、冲突……人生所有的不得已，都在那唯一一场演出中，在每一个音符中的跳跃中一一交割。
　　
　　霍洛维茨的音乐，不可颠覆地从渺远的高处，悲悯地俯视着将他长久拒绝于国门之外的、生养他的俄罗斯，俯视着泪流满面、百感交集的听众。
　　
　　一旦他的音乐响起来的时候，在那一刻有一种东西可以叫做永恒，那就是霍洛维茨。好像一旦帕瓦罗蒂唱起来的时候，还会觉得他的声音，是为着表述一种叫做爱情的东西而生。如此华丽，如此多情，如此灿烂，如此转瞬即逝一去不再复返！
　　
　　在CD盘的封套上，只要看到他那张脸我就悲从中来。然而马友友的脸决不会让我生出这样的感觉，即便马友友在演奏悲怆沧桑无比的段子。当然我也深爱马友友，但这两种爱是那样的不同，如地中海的阳光和伦敦老墓地中漫散的雾。
　　
　　我猜想这爱，很可能和这一大场戏剧人生有关。我像很多酸腐的老旧文人那样，对悲喜人生有着习惯性的取向。但我仍然不能断定，这爱的重点是否在于对历史别一种语言的叙述？某些时候，历史、以及与此相关的心理历程，不得不是造就、甚至品评艺术一份不可或缺的条件。
　　
　　抑或是他的人生态度？纵观天下，还有谁能像他那样，根本不在意已然稳稳戴在头上的、“二十世纪最伟大的钢琴演奏家”那顶其大无比的帽子，一度停演十多年，用十多年的时间来反思、思考对音乐、对艺术的更深理解和表现？也许还有人记得，十年“大革文化命”之后流行过的一句名言：“一个人能有多少个十年”？
　　对于艺术追求的最后高度，他是不是为人们制作了另一个与社会通行标准完全不同的版本？那就是没有极限的极限。

Op.111这首奏鸣曲作为32首奏鸣曲这一精神发展道路的终点，好似一座雄伟教堂刺破蓝天的十字尖顶。在这部作品中，提示了贝多芬式的悲怆性（Pathos），以及对创作的不屈不挠的战斗精神，经过这种人世间现世苦恼的挣脱与看破，显现出跟无言的顿悟相似的超人世界。在这首奏鸣曲中，贝多芬重新采用了两乐章的奏鸣曲式，在主体思想的内涵上具有一种淡泊、宁静和超脱的性质，具有深刻思辨性和抽象性，它保存了德国古典和浪漫主义音乐中的那些最丰富、最深刻的东西。达到了其创作上的一个高峰，使他的天性表现得深刻而明哲，沉思的处世态度使他洞察到了他内心情感的最深处。但是这首奏鸣曲所表述的追求宁静、寻找宁静、渴望宁静的愿望，却使人们听到的是更多的精神骚动，使贝多芬一生心路历程中的精神骚动，看到更多的是诗化的，理想化的人的形象。由此可见，尽管两个乐章存在着锐利的对比和明显的对照，但保持了巨大的、整体的统一，其音乐那深沉广阔的精神已经拓展到了无限的神秘世界之中。这首奏鸣曲无论在技巧上还是在内容上都凝聚了贝多芬对奏鸣曲的倾心研究和总结性探讨，表现出一种超脱的情绪，充满了超人的思索内容，它陈述着代表光明面的力同代表黑暗面的力之间的相互抗衡和搏斗，表现了一种内在的超越的力和骚动，不愧是其压轴的“永恒艺术”！

Photo: Dan

赫伯特·冯·卡拉扬( Herbert Von Karajan 1908 --- 1989)

奥地利指挥家。1908年出生在萨尔斯堡。父亲是位医生和出色的业余音乐家。在家庭的熏陶下，卡拉洋从小就是一个才华出众的音乐神童，八岁就已经举办了公开演奏会。1928年首次登台指挥。1938年应邀来柏林国家歌剧院担任指挥，取得了惊人的成功。1954年担任柏林爱乐乐团的常任指挥和终身艺术指导。以后他曾担任过欧洲许多猪敏乐团的常任指挥和音乐界的艺术指导，被人们称为“欧洲音乐总监”。

Artur Rubinstein

阿图尔·鲁宾斯坦

1887-1982


　　美籍波兰钢琴家。1887年1月28日出生于波兰罗兹（Lódz）。七岁首度在公开场合演出，在华沙跟随鲁日茨基（Alexander Rozycki）与帕德雷夫斯基学习，1897年移居柏林，师从巴尔特（Heinrich Barth）、卡恩（Robert Kahn）和布鲁赫，并由知名教育家姚阿幸担任监护人；1904年在巴黎与拉威尔见面，1906年第一次在美国卡内基音乐厅演出。1912年首次在伦敦露面，他与伊萨伊在当地合作多场音乐会。一次大战期间，因其能讲八国语言，曾在盟军司令部当翻译。1916-17年间在西班牙、南美洲等地巡回演出。1932年与波兰指挥家兼作曲家姆利纳尔斯基的女儿结婚，定居巴黎，并退出舞台，闭门钻研，拓增曲目，加强技巧训练。1939年迁居美国，1946年成为美国公民。二次世界大战后开始在世界各地演出，但是德国除外。终其一生，再没有踏上德国土地。1961年10月到12日，在卡内基音乐厅举办一系列马拉松式音乐会，弹奏了70位作曲家（从巴赫到斯特拉温斯基）的90首作品。1976年6月10日，89岁高龄的鲁宾斯坦在伦敦威格摩厅举办最后一场个人音乐会。1982年12月20日逝世于瑞士日内瓦。
　　鲁宾斯坦独树一格的艺术风范保存在大量的录音与影片中，他被公认为是20世纪钢琴演奏的代表人物之一。他一生不断录制肖邦的作品，使自己的气质与肖邦的气质合而为一，因此被称为“最正宗的肖邦”。他的演奏抒情温暖亲切，分句敏锐，音色浓郁丰富而富有诗意。除肖邦之外，他演奏的贝多芬、勃拉姆斯和柴可夫斯基，都注重抒情性。
　　鲁宾斯坦也是杰出的室内乐大师，他与海菲兹、富尔曼及后来的皮亚蒂戈尔斯基组成的三重奏被称为“百万美元三重奏”，是本世纪最伟大的室内乐团之一。他还与瓜尔内里四重奏团成员合作组成钢琴四重奏、五重奏，录制了大量优秀唱片。